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TEATRALIDAD APLICADA EN DISEÑOS MUSEOGRÁFICOS CONTEMPORÁNEOS

En las últimas décadas los museos han replanteado su función, su perfil y sus formas de acercamiento al público. Dentro de estos cambios, conceptuales y formales se ha dado un fenómeno digno de estudio: la museografía se ha visto influenciada y enriquecida por morfologías y dinámicas propias del teatro.

Si bien el teatro a su interior está haciéndose cuestionamientos sobre su ontología; los principios dramáticos, semióticos y de diseño teatrales, le han proporcionado al museo contemporáneo una veta a explotar.

La personificación de objetos, la decisión de asignar roles protagónicos y antagónicos, la narrativa dramática y la creación de atmósferas teatrales por medio de la iluminación, el audio y el uso de materiales escenográficos y/o de utilería, son algunos de los recursos de los que se ha servido la museografía para diseñar sus exhibiciones. Concientizar el fenómeno y hacer uso de él es ventajoso para el profesional del arte así como para un público especializado.

La inserción de dichos elementos se ha dado de manera paulatina, no intempestiva, por lo que su uso no ha sido criticado o cuestionado de manera agresiva. El análisis y reflexión sobre el uso de recursos es pertinente para el aprovechamiento efectivo de los mismos.

La teatralidad en el museo, ha favorecido, entre otras cosas, la creación de públicos, quienes, familiarizados con la ficción y la narrativa, por medio del teatro, el cine y la TV, se ven inmersos en un contexto que, inconscientemente, les resulta cómodo. Asimismo ha llevado a proponer formas integrales de presentar los contenidos.

DIRIGIDO A: Gestores culturales, museógrafos, curadores, diseñadores de espacios públicos. El curso funciona como una especialización, por lo que es apto para estudiantes o egresados de licenciatura, o bien profesionales en activo. Se requiere un nivel alto de comprensión de lectura del idioma inglés, puesto que mucho del material bibliográfico no cuenta con traducción al español.

OBJETIVO: 

Al cabo de 8 semanas, el alumno:
– Reflexionará sobre el papel de los museos en la actualidad
– Se familiarizará con el término teatralidad
– Será capaz de analizar la teatralidad implícita en un diseño museográfico
– Será capaz de establecer un criterio propio sobre el uso de la teatralidad en los museos actuales
– Analizará el rol del visitante de museos como un espectador que debe ser contemplado en la curaduría y el diseño museográfico
– Presentará una propuesta de diseño museográfico con elementos de teatralidad aplicada

 INSCRÍBETE AQUÍ 

 IMPARTE: Haydee Muñóz
DURACIÓN: Enero 27 de 2016  – Marzo 22 del 2016
INSCRIPCIONES: Hasta 26 Enero 2016
INFORMES: aulavirtual@tallermultinacional.org

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elige los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

CUPO LIMITADO

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INSCRIPCIÓN: MXN$4,944.00 (pesos mexicanos)

CUPÓN 10% de descuento válido hasta el 27 de enero: 8E78B3FA

  • Para darte una idea de la equivalencia aproximada en tu moneda local puedes usar el siguiente convertidor de moneda https://www.google.com/finance/converter es importante recalcar que el tipo de cambio puede variar un poco entre el del convertidor y el de PayPal.
  • 3 meses sin intereses realizando tu pago con tarjetas bancarias mexicanas vía Paypal (sujeto a disponibilidad de PayPal).
  • Para pagos por medio de depósitos bancarios, únicamente desde dentro de la República Mexicana,  comunícate a aulavirtual@tallermultinacional.org
  • Precios sujetos a cambio sin previo aviso.

 

INSTRUCCIONES PARA INSCRIBIRTE:

  • SELECCIONA TUS CURSOS: Una vez dentro de la plataforma da click en el botón superior “Selecciona tu curso” y oprime el botón “Añadir a canasta de compra” en los cursos de tu interés. Estos se irán mostrando en la canasta de compra (recuadro azul de arriba a la derecha).
  • APLICA TU CUPÓN DE DESCUENTO: si recibiste un cupón de descuento por correo-e, Facebook u otro medio de parte de nosotros puedes hacerlo válido antes de pagar dando click en “Cambia tu cupón aquí” en la “Canasta de compra”. Es muy importante que lo ingreses antes de pagar pues de otra forma no se aplicará el descuento y no hay reembolso en este caso. Cada cupón se puede usar una sola vez pero puedes adquirir varios cursos en esa compra aprovechando mejor el descuento que recibiste.
  • PAGA TU INSCRIPCIÓN Y ASEGURA TU LUGAR: una vez que has terminado de seleccionar los cursos de tu interés da click en “Comprar” en la “canasta de Compra” y te llevará a realizar tu pago por medio de PayPal, ahí podrás usar tu propia cuenta de PayPal o tu tarjeta de crédito de preferencia. Realiza el pago para asegurarte un lugar en tu curso. (Hemos escogido PayPal para las transacciones por ser el método más seguro para compras en internet).
  • ¡LISTO! MANTENTE ATENTO A NUESTRA COMUNICACIÓN: Solamente te queda revisar en tu bandeja de entrada el correo-e que te llegará con instrucciones. Si no está en tu bandeja de entrada recupéralo del correo-e no deseado y pon nuestra dirección en la lista de remitentes seguros.

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TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: El museo en la actualidad
Objetivos:
Que el alumno reflexione sobre el papel de los museos en la actualidad.
Que el alumno se cuestione sobre el contenido y forma de los museos

Sesión 2:  Teatralidad
Objetivos:
Que el alumno aprehenda el concepto de teatralidad.
Que el alumno observe y reflexione sobre la inserción de la teatralidad en ámbitos extraescénicos

Sesión 3: Narrativa y personajes
Objetivos:
Que el alumno analice y distinga cómo los subtemas teatrales a revisar (Protagonista,Antagonista, Peripecia, Secuencia, Narrativa, Atmósfera, Personificación de historias u objetos, Curaduría), son puestos en práctica en la museografía contemporánea.

Sesión 4: Espacio y tiempo. Secuencias en museografía
Objetivos:
Que el alumno reconozca y analice la dramaticidad y semiótica presentes en la museografía contemporánea.

Sesión 5: El visitante/espectador
Objetivos:
Que el alumno reflexione sobre el papel del visitante/espectador en el museo.
Que el alumno analice la dinámica espectador-exhibición acorde al grado de teatralidad utilizado en la museografía

Sesión 6: Reconocimiento de teatralidad en una exhibición
Objetivos:
Que el alumno, posicionado como visitante, haga un análisis de la teatralidad aplicada a la exhibición que él decida visitar
Que el alumno se cuestione, desde un análisis teóricopráctico, su potencial labor de curador-museógrafo para el diseño de una exhibición.

Sesión 7: Aplicación de elementos teatrales al diseño museográfico
Objetivos:
Que el alumno ponga en práctica el resultado de los análisis previos para la elaboración de un diseño museográfico propio.

Sesión 8: Desarrollo de diseño museográfico
Objetivos:
Que el alumno sea capaz de organizar los conocimientos adquiridos para la conclusión de un diseño museográfico con elementos de teatralidad aplicada.

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[restab title=»METODOLOGÍA«]

METODOLOGÍA:

El tutor escribirá una introducción por cada tema, a manera de bienvenida a los alumnos y de explicación sobre los temas a tratar. Dado el nivel de especialización de la plataforma, se esperará que tanto los alumnos como el tutor sean activos y comprometidos con la temática, su investigación y tareas a realizar.

Cada semana habrá lecturas especializadas sobre la temática. Los alumnos harán reflexiones y análisis sobre las mismas. Dichos pensamientos serán canalizados en los foros y en tareas específicas por cada tema.

Los foros servirán como plataformas de discusión y dudas, donde el tutor estará pendiente permanentemente de los comentarios. Al inicio de cada tema, el tutor funcionará como propulsor de los foros, por medio de preguntas, ideas o comentarios. Posteriormente servirá como moderador, una vez que los estudiantes comiencen sus participaciones.

Se utilizará material visual, tal como videos y fotografías. Asimismo se invitará a los alumnos a que investiguen sobre los temas buscando este tipo de recursos. En las útlimas sesiones, es necesario que el alumno acuda físicamente a una exhibición museográfica y posteriormente, que diseñe una propuesta en la que aplique los elementos del curso.

Cada tema requiere una o varias tareas por escrito en las que el alumno reflejará su compromiso y nivel de aprehensión de los temas del seminario. Se especificará desde el inicio la disposición del tutor a resolver dudas de los alumnos, por medio de los canales de la plataforma o por correo electrónico.

EVALUACIÓN:

Se plantea una evaluación por competencias, dado el entorno de aprendizaje virtual y el que se contempla una evaluación tanto cualitativa como cuantitativa.

Una importante herramienta de aprendizaje son las lecturas, sin embargo, no puede evaluarse su realización directamente, sino a través del reflejo de las mismas en las tareas, ensayos y participación en los foros.

Se considerará la calidad de los trabajos escritos, en términos cognitivos, de reflexión y análisis profundo, así como los mapas mentales, que para algunos estudiantes con problemas de redacción, son más útiles dada su característica gráfica.

A continuación se presenta una tabla que contiene las actividades a considerar para establecer un porcentaje de participación:

TRABAJOS ESCRITOS
PARTICIPACIÓN EN FOROS
VISITA A MUSEO
MAPAS MENTALES
ANTEPROYECTO FINAL
TRABAJO FINAL
Totales solicitados en el seminario
6
9 foros en total. Se pedirá una participación mínima de tres intervenciones
1
2
1
1
Mínimo para considerar el 80%
4.8
Participación en 7 foros.  21 participaciones mínimas en total
No aplica 80%
1.6
No aplica 80%
No aplica 80%
Nivel de importancia de la actividad
Importancia alta
Importancia media
Importancia alta
Importancia media
Importancia media
Importancia alta
LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

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[restab title=»TUTOR«]

HAYDEE MUÑOZ

Egresada de la Maestría en International Performance Research del consorcio Erasmus Mundus, por la Universidad de Ámsterdam, Universidad de Warwick y Universidad de Artes de Belgrado. Los estudios de posgrado estuvieron apoyados con la beca del FONCA para estudios de maestría en el extranjero (2012-2013) y la beca del CONACYT y FUNDACIÓN INBA, otorgada solo a 8 artistas mexicanos en el periodo 2012-2013. Es Licenciada en Literatura Dramática y Teatro por la Universidad Nacional Autónoma de México y  Licenciada en Gestión Cultural por la Universidad de Guadalajara.

Con una trayectoria de más de diez años como directora, actriz y productora teatral, en la actualidad está interesada en la investigación teórica y práctica sobre procesos performáticos, experiencias guiadas, instalaciones/performance y teatro post-dramático.

Ha dirigido y actuado las puestas en escena Genoma azul y oro (2014),  Volupta (2011), de Luis Santillán, Pony, nunca te he negado una lágrima (2009), de Gustavo Ott (con la obtención de la beca De la academia al escenario del INBA) y Vencer al Sensei (2006-2007) (Premio APT a Mejor Obra de Teatro de Búsqueda), en codirección con su autor, Richard Viqueira. En 2013 desarrolló la instalación-performance The man who wanted to, basada en La Gaviota, de Chéjov. En el 2012 codirige con el autor, Luis Santillán Un poco de paz, en el Teatro La Capilla. Ha participado como actriz y productora en Abdicación, Tres pies, el vuelo de Viola y L.P. y como actriz en Off, Alicia, Sanatorium Shakespeare, Veneno a Sorbos, entre otras.

Fungió como Jefa de Departamento de Actividades Culturales de la Dirección General de Atención a la Comunidad Universitaria de la UNAM del 2008 al 2011, en donde llevó a cabo más de 200 proyectos. Fue publicado su ensayo La política cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México, en Educación y Gestión Cultural, UDG (2009). En 2013 tuvo a su cargo la coordinación de voluntarios en Birmingham European Festival (BE Festival) en el Reino Unido. Ha impartido talleres en México, Serbia, Bielorrusia e India.

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MARKETING CULTURAL. MERCADOTECNIA ARTÍSTICA Y CULTURAL

La mercadotecnia cultural es el conjunto de estrategias de planeación, promoción y comercialización de proyectos artísticos y culturales realizados por colectivos, organizaciones y/o artistas. Existen muchos artistas talentosos y proyectos culturales de gran interés social que no cuentan con herramientas suficientes para dar a conocer su propuesta, por lo que se pretende ofrecerles los instrumentos para que ellos mismos puedan planear, administrar y promocionar sus propios proyectos.

DIRIGIDO A:

Gestores culturales, artistas de cualquier disciplina o cualquier persona que tenga un proyecto artístico o cultural que quiera aprender los conceptos básicos de mercadotecnia y cómo aplicarlos en su proyecto. gestión.

OBJETIVO:

Al finalizar el curso el alumno será capaz de:

– Entender qué es la mercadotecnia y cómo se aplica en proyectos culturales y artísticos.

– Segmentar adecuadamente su mercado cultural, identificando cuál es su segmento objetivo y qué características tiene.

– Identificar y desarrollar los elementos de la mezcla de mercadotecnia de su propio proyecto artístico y cultural.

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Sandra Paola Garcidueñas González

DURACIÓN: Noviembre 25 de 2015  – Febrero 9 del 2016 (vacaciones: Diciembre 16 a Enero 5)

INSCRIPCIONES: Hasta 25 Noviembre del 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO:
$4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)

COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO:
USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)

**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: Introducción a la Mercadotecnia Cultural

– Qué es la mercadotecnia

– Conceptos básicos

– Cómo se aplica la mercadotecnia al ámbito de la cultura y las artes

Sesión 2: Segmentación de Mercados

– Qué es un segmento de mercado

– Análisis del segmento de mercado objetivo (Target)

– Posicionamiento

Sesión 3: Estrategias de Producto

– Qué es producto desde el punto de vista de mercadotecnia cultural

– Dimensiones del producto cultural

– Elementos que conforman la Marca: Nombre de Marca, Slogan, Logotipo.

Sesión 4: Estrategias de Precio

– Fijación de precios

– Estrategias de precios

Sesión 5: Estrategias de Promoción

– Elementos de la mezcla promocional

– Ventas

– Promoción de ventas

– Relaciones públicas

Sesión 6: Estrategias de Promoción (Parte 2)

– Publicidad ATL

– Publicidad BTL

– Patrocinios

Sesión 7: Estrategias de Plaza

– Canales de distribución

– Estrategias de distribución

– Modelo de los 5 anillos de atracción comercial

Sesión 8: Planeación Estratégica de Mercadotecnia

– Planeación estratégica

– Análisis FODA

METODOLOGÍA:

El alumno deberá hacer la lectura del material básico, el material adicional (casos prácticos) y ver los videos que complementarán el tema para posteriormente contestar las preguntas, realizar el ejercicio o solucionar los casos. Al final se realizará una discusión en un foro para sacar conclusiones con todo el grupo.

EVALUACIÓN:

Cada actividad tiene un valor de acuerdo al tiempo y la dificultad y se encuentra especificado a un costado de la descripción de la actividad.  En caso de entregar todas las actividades solicitadas al término de la semana 6 se completa el 80% de la calificación.

 LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Sandra Paola Garcidueñas González

Originaria de León, Guanajuato, México. Estudió la Maestría en Cultura y Arte en la Universidad de Guanajuato desarrollando su investigación en Mercadotecnia de la Cultura y las Artes. Licenciada en Mercadotecnia por la Universidad de la Salle Bajío.

Se ha desarrollado profesionalmente en los campos de la Mercadotecnia Cultural, Mercadotecnia Comercial e Investigación de Mercados. Desempeñó el cargo de Gerente de Ventas de Comercio Organizado en la empresa PepsiCo, y anteriormente como Supervisora de Mercadotecnia Punto de Venta de la empresa comercial Soriana. Trabajó también como consultora de mercadotecnia de la empresa Crece Guanajuato, desarrollando planes de negocios para PyMEs y gestionando apoyo de programas federales.

Ha desarrollado proyectos artísticos y culturales para la Asociación Calli y apoyado en la organización y difusión de varios proyectos del Instituto Cultural de León.

En docencia, ha trabajado con las Facultades de Cultura y Arte de la Universidad de Guanajuato, impartiendo clases de Mercadotecnia Cultural, así como cursos de Investigación de Mercados Culturales. En la Universidad Tecnológica de León fue docente de la Escuela de Mercadotecnia y Negocios impartiendo las materias de Planeación Estratégica, Mezcla de Mercadotecnia y Psicología del Consumidor.

Actualmente es Líder de Investigación de Mercados de la empresa Bachoco y consultora outsorcing de mercadotecnia.

IMPORTANTE: Escribe al correo aulavirtual@tallermultinacional.org para verificar tu inscripción.

EL CUERPO EN EL APARECER DE LA IMAGEN. LABORATORIO DE DIBUJAR Y ESCRIBIR

En el laboratorio de dibujar y escribir se experimenta el aparecer de las imágenes a nivel práctico y teórico a través de imágenes gráficas y literarias. La atención al aparecer de la obra, y por lo tanto una atención a nosotros mismos que la observamos y participamos en su formación, es una forma primordial de explorar el mundo de las artes visuales.

Palabras Clave: Introducción a la estética del aparecer // Pensamiento contemporáneo sobre la imagen // Práctica artística // Interpretación de la obra del arte desde su aparecer // Escribir sobre el cuerpo en la aparición de la imagen // Laboratorio // Comunidad de entes curiosas // Profundizar en las técnicas de cada uno // Extrañamientos con uno mismo // Adquirir un grado de conciencia.

DIRIGIDO A:

Estudiantes, artistas, tesistas de licenciatura y maestría en artes visuales y plásticas, arquitectos con interés en procesos proyectuales diagramáticos y en general a artistas multidisciplinarios que trabajan con las imágenes-gráficas-literarias. Pero también se dirige a los que se consideren soñadores, apasionados de la vida, que en sus procesos artísticos investigan la “anatomía de la inquietud” y buscan el “extrañamiento del mundo” y de uno mismo.

OBJETIVO:

Al finalizar el curso el alumno será capaz de:

– Toma de contacto y profundización en bibliografía relacionada con la imagen, el cuerpo y el proceso del aparecer.

– Obtener un portafolio con una serie de imágenes gráficas en torno a la imagen y el cuerpo.

– Redactar una serie de textos acerca del aparecer de las imágenes propias producidas durante las sesiones.

– Profundizar en la narración de los procesos creativos.

– Profundizar en la interpretación de la obra del arte.

– Exploración personal y artística. Refinamiento técnico-teórico.

– Participar en un taller que cultiva entre sus participantes el diálogo gráfico y verbal, promueve el acompañamiento y la necesidad del contacto.

– Participar en una publicación de textos e imágenes producidos durante el taller.

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Anthi Kosma

DURACIÓN: Diciembre 09 de 2015  – Febrero 16  del 2016 (vacaciones: Diciembre 16 a Enero 5)

INSCRIPCIONES: Hasta 02 Diciembre del 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO:
$4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)

COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO:
USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)

**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.





HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: La imagen del cuerpo I

1.1 Ocho historias sobre la estética del aparecer 1.2 Serie de imágenes sobre el cuerpo en extensión 1.3 Textos sobre la serie de las imágenes producidas.

Sesión 2: La imagen del cuerpo II

2.1 El cuerpo en la filosofía de Jean-Luc Nancy 2.2 Serie de imágenes sobre el cuerpo en extensión 2.3 Textos sobre la serie de las imágenes producidas.

Sesión 3: El taller de las imágenes

3.1 El cuerpo como Homo faber. La comunidad de los artesanos y la imaginación material en la formación de las imágenes 3.2 Experimentación gráfica basada en el cuerpo y la imaginación material  3.3 Textos sobre la serie de fotografías producidas.

Sesión 4: La imagen fantasmática

4.1 La imagen mnémica. La imagen del cuerpo como pausa no inmóvil.4.2 Experimentación basada en la fotografía 4.3 Textos sobre la serie de fotografías producidas.

Sesión 5: Dibujar Resonancias

5.1 El cuerpo sonoro. Estar a la escucha 5.2 Serie de imágenes-dibujos sobre el cuerpo sonoro 5.3 Textos sobre la serie de grafías realizadas.

Sesión 6: Imagen Diagramática I

8.1 El concepto del diagrama en la obra de Gilles Deleuze 8.2 Producción de imágenes diagramáticas  8.3 Textos sobre el diagramar.

Sesión 7: Imagen mimesis-méthexis

7.1 El estado de méthexis como componente para la creación de la obra 7.2 Serie gráfica sobre la imagen de mimesis-méthexis 7.3 Textos sobre la serie de grafías realizadas.

Sesión 8: Imagen Diagramática II

8.1 Diagramar lugar de apertura y experimentación 8.2 Las imágenes gráficas y literarias producidas durante las sesiones se unen en una sesión de un trazar diagramático  8.3 Textos sobre el curso realizado.

METODOLOGÍA:

Durante el curso se trabaja desde distintos acercamientos: leer-hacer-escribir-interpretar con el fin de generar entre textos e imágenes un laboratorio de intercambio y de experimentación adecuado para el desarrollo de las distintas destrezas de cada participante.

Nuestro método se basa en generar un tipo de constelación. Se trata de un método reconocido en trabajos cualitativos (K.Denzin and Yvonna S.Lincoln) donde se forma un tipo de bricolaje entre referencias bibliográficas, experiencias personales, obra y textos producidos dentro y fuera del taller.

Para el avance de la producción de imágenes gráficas y literarias se experimenta –sin ser obligatorio- el método de la improvisación llevada a la práctica como dibujo automático y como escritura libre.

EVALUACIÓN:

Los criterios de evaluación son de tipo cualitativo. La evaluación se basará en una especie de cuestionario de autoevaluación pero se evaluarán positivamente el feedback entre estudiantes, su implicación en el grupo, pero también la disponibilidad a la experimentación y la evolución personal.

Se realizarán 10 lecturas obligatorias, 10 experimentaciones prácticas, 10 textos (9 breves + 1 más largo), una obra colectiva al final del curso y es obligatorio cumplir con 6 sesiones completas.

 LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Anthi Kosma

Es conocida también como “anthokosmos=kosmos de anthos (flores). A pesar de su nombre (Anthi=flor) es una espartana (Sparta-Grecia, 1980). Estudió en la escuela de arquitectura de la Universidad de Demócrito en Tracia (DUTH). A sus 26 años se mudó a España donde obtuvo su PhD (2014) y DEA (2008) en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) con una beca de IKY (Becas Estatales) y otra de fundación Triandafilidis. Anthokosmos organiza talleres con el grupo de experimentación gráfica nombrado “imprográfika”. Podéis encontrar imágenes gráficas y literarias suyas en el blog https://imprografika.wordpress.com/   

IMPORTANTE: Escribe al correo aulavirtual@tallermultinacional.org para verificar tu inscripción.

EL LENGUAJE DEL ARTE. DISEÑO DE PROCESOS DE ENSEÑANZA Y APRENDIZAJE

Cualquiera que quiera pensar o actuar en o desde el arte hoy en día, ha de pasar sin duda por una crítica del concepto del lenguaje, “El lenguaje del Arte. Diseño de procesos de E-A”, es un curso orientado a todo/a aquel/la cuyas inquietudes teóricas o prácticas tengan que ver con el lenguaje, con el arte y/o con su relación con el aprendizaje.

Se trata de un curso teórico-práctico en el que l@s participantes tendrán la oportunidad de desarrollar las herramienta teóricas que fundamentan las relaciones entre el lenguaje y el arte y permiten analizar de un modo crítico cómo éstas afectan en muy diversos modos a la sociedad en la que vivimos. Pero, además, en este curso, las herramientas teóricas adquiridas, están orientadas a la acción y a la intervención en nuestro mundo contemporáneo, por lo que se plantea como un proyecto en el que la fase final será la elaboración de un modelo abarcador de procesos de E-A basado en el arte, crítico y fundamentado teóricamente.

En cuanto a los contenidos, en primer lugar será descubierta la estricta relación que históricamente han mantenido las concepciones del arte y del lenguaje, y la influencia que esta ha tenido en las formas contemporáneas de entender y de practicar el arte y la pedagogía.

El estudio de esta problemática tanto en su aspecto histórico como en aquel puramente conceptual, nos permitirá, en segundo lugar, contar con las herramientas necesarias para llevar a cabo una reflexión crítica y una fundamentación sólida de los modelos pedagógicos basados en el arte.

El aparato teórico así adquirido, dirigido a la acción artística y educativa, nos ofrece la posibilidad de intervenir en nuestras sociedades de un modo fundamentado como artistas o teóricos del arte, como profesionales de la enseñanza o como estudiantes. Clara y concreta del tema principal a tratar durante el curso, máximo media cuartilla.

DIRIGIDO A:

Tod@s aquell@s personas interesadas en los procesos de Enseñanza-Aprendizaje, profesore/as en activo, estudiantes de Artes que piensen dedicarse a la práctica docente, estudiantes de Filosofía interesados por la Teoría del Arte contemporánea, todo@ aquell@s interesados en las implicaciones sociales y humanas del arte.

OBJETIVO:

Al finalizar el curso el alumno será capaz de:

– Sentar las bases teóricas y/o manejar con soltura las herramientas teórico/prácticas necesarias para una reflexión profunda acerca de cómo el concepto del lenguaje que se instaura a principios del siglo XX afecta a la noción de arte que manejamos hoy en día.

– Evaluar de un modo fundamentado y crítico el impacto que el concepto del lenguaje tiene sobre la teoría y la práctica del arte, así como el impacto que la relación entre ambos, tiene en la concepción de la enseñanza y en el diseño de procesos de E-A.

– Desarrollar un análisis crítico de la sociedad de la información y un diagnóstico de las necesidades de la misma orientado a la acción artística y a la intervención pedagógica en ella.

– Manejar las herramientas teóricos-prácticas necesarias para fundamentar el uso pedagógico del arte en la sociedad contemporánea.

– Diseñar y fundamentar un modelo de Enseñanza y Aprendizaje basado en el arte.

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Cristina Morales Saro

DURACIÓN: Noviembre 18 de 2015  – Febrero 2 del 2016 (vacaciones: Diciembre 16 a Enero 5)

INSCRIPCIONES: Hasta 16 Noviembre del 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO:
$4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)

COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO:
USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)

**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: ¿Qué es el arte, qué es lenguaje y cómo se relacionan?

Construiremos un mapa general de lo que entendemos por arte y por lenguaje hoy en día y cómo se relacionan. Esto nos ayudará a diagnosticar las necesidades e intereses personales de l@s participantes así como a orientar nuestros esfuerzos en consecuencia.

Sesión 2: Historia de las relaciones arte/lenguaje I. Los primeros años del siglo XX.

Estudiaremos la particular polémica entre Croce y Saussure. Veremos también en qué modo la noción de arte se ve fuertemente afectada por aquella del lenguaje y cuáles son los fundamentos de esta correlación entre ambos fenómenos.

Sesión 3: Historia de las relaciones arte y lenguaje II. Auge y caída del estructuralismo.

Abordaremos el alcance teórico y práctico del estructuralismo lingüístico y evaluaremos sus efectos en la concepción contemporánea del arte.

Sesión 4: Historia de las relaciones arte y lenguaje III. Análisis e interpretación de la obra de arte.

Estudiaremos la hermenéutica y analizaremos la tendencia contemporánea a conjugar estructuralismo y hermenéutica, o si se quiere, análisis e interpretación en lo que se refiere a la teoría del arte.

Sesión 5: El paradigma comunicativo y la pedagogía.

Conoceremos los modelos pedagógicos basados en el arte y los analizaremos críticamente.

Sesión 6: La lingüística de la expresión y los procesos de E-A.

Veremos si es justificada una crítica del paradigma comunicativo y en qué términos puede llevarse ésta a cabo.

Sesión 7: Arte y procesos de aprendizaje en la sociedad de la información.   

Desarrollaremos aquí la reflexión crítica de la sociedad de la información, en base a la evaluación de las necesidades que ella tiene en el terreno y de la pedagogía.

Discutiremos los principios sobre los que debería construirse hoy un modelo de E-A.

Sesión 8: Diseño de un modelo de E-A basado en las artes.

Construiremos un modelo pedagógico basado en el arte capaz de abarcar múltiples modelos de E-A.  

METODOLOGÍA:

Este curso se imparte con una metodología orientada a la acción y aplicando el trabajo por proyectos, por lo que todos los contenidos y actividades se orientan a un proyecto de fin de curso que consiste en el diseño de un modelo de Enseñanza y Aprendizaje (E-A) basado en el arte.

Para alcanzar exitosamente esta meta, contamos con 8 temas de una duración de 10 horas cada uno. Los participantes en el curso tendrán que completar 3 tareas por tema, que combinarán actividades individuales (ensayos y exposiciones audiovisuales, análisis y comentario de textos) y grupales (discusión en foros,  elaboración de exposiciones colectivas, murales, etc).

EVALUACIÓN:

Las actividades grupales constituirán el 50% de la evaluación:

– Participación en foros: 30%

– Trabajos en grupo: 20%

Las actividades individuales constituyen el restante 50% de la evaluación:

– Ensayos y exposiciones: 30%

– Análisis y comentarios de texto: 20%

 LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Cristina Morales Saro 

Doctora Internacional en Filosofía por la Universidad de Oviedo, en el área de Teoría de las Artes. Cursó sus estudios universitarios de Licenciatura y Máster en la Universidad Complutense de Madrid. Es Máster en Enseñanza del Español como Lengua Extranjera y ha trabajado como profesora de Español en Linyi (China), y como profesora de inglés, italiano, chino y alemán en España.

Como investigadora ha publicado la monografía “Problemas de Filosofía Estética I. Arte y Lenguaje, Volumen 1. La Filosofía Estética de Benedetto Croce” (ed. Publicia, 2015)

Entre sus artículos cabe destacar:

“Arte y lenguaje en la sociedad de la información” Actas Oficiales del IV Congreso Internacional Eumednet: Bellas Artes y Sociedad Digital, ISBN-13: 978-84-16036-67-7.

«La herida entre ciudad y filosofía». Revista de Filosofía Eikasia nº52. (pp. 121-132). Noviembre 2013. ISSN 1885-5679.

“La literatura del urbicidio”, Eduardo Mendieta. Traductores. Cristina Morales y Javier Gil. Revista de Filosofía Eikasia nº 52 (pp. 11-32). ISSN 1885-5679.

“El cine de Guy Debord”, Giorgio Agamben, Traductoras: Cristina Morales Saro y Covadonga Saro Bernaldo de Quirós. En http://es.scribd.com/doc/170945172/El-Cine-de-Guy-Debord.

“Cuando el privilegio es matar». El travestismo militante de Dorothy Lawrence Un análisis del travestismo estratégico en el doble contexto bélico de la Primera Guerra Mundial y de la guerra sexual total desde la óptica del activismo, el arte y la teoría feministas.”, publicada como capítulo del libro Mujeres en Guerra/Guerra de mujeres en la sociedad, el arte y la literatura”. Estela Gonzalez y Mercedes Gonzalez (Ed.) Arcibel Editores, Sevilla, 2014. ISBN 978-84-15335-56-6. pp. (134-146).

IMPORTANTE: Escribe al correo aulavirtual@tallermultinacional.org para verificar tu inscripción.

COOPERACIÓN CULTURAL INTERNACIONAL

La globalización creciente y el aumento de las relaciones culturales entre diversos países hacen que las propuestas de cooperación cultural sean uno de los aspectos más interesantes de las políticas culturales. En distintos niveles de gestión, los actores y promotores de la cooperación internacional han desarrollado diversas estrategias y modelos para trasladar a la práctica la cooperación en materia de cultura. Conocer qué es la cooperación cultural, sus categorías fundamentales, los procesos de negociación y las redes creadas, especialmente entre América Latina y Europa, dará al alumno la capacidad de aumentar sus competencias en la elaboración y gestión de proyectos culturales a nivel internacional.

DIRIGIDO A:

Artistas, museólogos, gestores y promotores culturales, responsables y trabajadores del área cultural en administraciones públicas y organizaciones privadas locales, regionales o nacionales. Estudiantes y egresados de carreras de artes, gestión cultural, turismo, museología, comunicación, filosofía, letras y humanidades. Público en general interesado en el mundo de la cultura y su gestión.

OBJETIVO:

Al finalizar el curso el alumno podrá tener una visión general sobre la cooperación cultural; conocer los actores, estrategias y modelos de la misma y adquirir herramientas profesionales que le ayuden en la elaboración de proyectos de cooperación cultural internacional.

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: María Diéguez Melo

DURACIÓN: Noviembre 18 de 2015  – Febrero 2 del 2016 (vacaciones: Diciembre 16 a Enero 5)

INSCRIPCIONES: Hasta 16 Noviembre del 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO:
$4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)

COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO:
USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)

**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: Qué es la cooperación cultural

Durante la primera semana de trabajo, el alumno adquirirá unos conocimientos básicos sobre cooperación cultural atendiendo a su definición, categorías y principales características.

Sesión 2: Enfoques y orientaciones de la cooperación cultural internacional

En esta sesión, se estudiarán los principales enfoques en el trabajo de cooperación cultural teniendo en cuenta los actores, promotores, estrategias y modelos dando así una visión general sobre la práctica de la cooperación en materia de cultura.

Sesión 3: Animadores internacionales de la cooperación

Durante esta semana, el alumno conocerá quiénes son los principales animadores de la internacionalización en materia de cooperación, desde los organismos nacionales a los internacionales, tanto en sectores públicos como privados.

Sesión 4: Acción, estrategias y modelos de cooperación cultural

Una vez reconocidos los principales agentes en la cooperación cultural, el alumno se adentrará en la acción cultural como estrategia cooperativa a nivel internacional, introduciendo así de una forma breve al trabajo posterior.

Sesión 5: Cooperación cultural bilateral

En este bloque, el alumno concretará uno de los modelos de cooperación cultural estudiados en el tema anterior: la cooperación bilateral. La lectura de los textos programados atiende especialmente a las relaciones de países fronterizos: México-EEUU y España-Portugal.

Sesión 6: Cooperación cultural multilateral

El conocimiento de distintas redes de cooperación multilateral abrirá al alumno a diversidad de propuestas de colaboración que le serán útiles a la hora de proyectar sus propios proyectos culturales.

Sesión 7: Cooperación cultural entre América Latina y Europa

Como ejemplo de cooperación multilateral, este bloque analizará el caso relativo a Europa y América Latina, desarrollando brevemente su historia, las implicaciones de la cultura en las relaciones internacionales y las propuestas actuales.

Sesión 8: La cooperación cultural hoy: nuevos desafíos y elaboración de proyectos

Para finalizar el curso, el alumno concretará todos los conocimientos adquiridos en la elaboración de proyectos de cooperación cultural y los desafíos de la práctica actual.

METODOLOGÍA:

La forma de trabajo se basa en materiales escritos y audiovisuales, el trabajo en los foros y la investigación en la web. En cada una de las unidades se proporcionarán textos de lectura obligatoria que en algunos casos irán acompañados de un resumen teórico elaborado por el tutor en el cual se ofrece un panorama general de los contenidos a trabajar en la semana. El alumno deberá leer y trabajar sobre este material teórico respondiendo a algunas preguntas sugeridas por el tutor que le ayudarán a demostrar la comprensión de los temas y a emitir sus propias opiniones al respecto. Estos contenidos serán la base para desarrollar las actividades que se propondrán a lo largo del curso y te ayudarán a realizar el trabajo final, que se entregará en la última semana de trabajo.

EVALUACIÓN:

La evaluación de los estudiantes atenderá a cuatro aspectos:

1) lectura de los documentos propuestos por el tutor: se valorará la lectura y comprensión de los textos propuestos, la capacidad crítica y la adecuada respuesta a las preguntas planteadas.

2) diálogo entre el profesor y el alumno: envío de las actividades indicadas en tiempo y forma.

3) participación activa en los foros: en el foro, el tutor planteará las preguntas de cada unidad y dirigirá la discusión, pudiendo llegar a complementar lo discutido con textos complementarios o documentos relevantes. Se evaluará la capacidad de argumentación y disertación del alumno, su capacidad propositiva y reflexiva y la interacción con el resto de compañeros. A lo largo de la semana, el alumno tendrá que realizar, al menos, tres aportaciones al foro.

En algunas de las unidades (sesión 3, 5, 6 y 7), el profesor pedirá en el foro la realización de alguna sencilla actividad de investigación para crear una base de datos común entre todos los alumnos sobre el tema tratado.

4) Elaboración de una base de datos: el alumno recopilará, a través del trabajo de investigación volcado en los foros, una base de datos relativa a la cooperación cultural internacional que, junto con una reflexión personal, enviará al tutor como trabajo final.

Se contempla además la posibilidad de que los alumnos que hayan tenido alguna dificultar en la realización de parte de los trabajos anteriores puedan preparar un trabajo final (20%), cuyo contenido y formato se fijará con el tutor.

La evaluación se llevará de acuerdo con los siguientes parámetros:

– Lectura de documentos y trabajo teórico 30%

– Participación en el foro: 40%

– Trabajo final (base de datos de cooperación cultural): 20%

– Diálogo directo con el Profesor: 10%

 LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO
María Diéguez Melo

Doctora en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca (España) y Posgrado en Políticas Culturales y Gestión Cultural por la Universidad Autónoma Metropolitana de México. Ha completado su formación con diversos cursos y diplomados sobre pedagogía, museografía, arte actual, gestión y cooperación cultural.

Cuenta con amplia experiencia docente en distintos países tanto en centros educativos públicos como privados, sirvan de ejemplo la Universidad de Salamanca, la Universidad Pontificia de Salamanca (España), la Universidad de Guadalajara y  el Instituto de Estudios Superiores de Ingeniería Educativa (México). Así mismo destacan su participación como ponente y comunicante en diversos congresos y sus publicaciones en libros y revistas especializadas. Se ha desempeñado como coordinadora y miembro del comité académico de los Simposios Internacionales de Patrimonio Cultural Iberoamericano (53º y 54º ICA).

Puede consultarse más información en la siguiente dirección:

www.mariadieguezmelo.blogspot.com.es

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DEL ARS ERÓTICA A LA IMAGEN DE LA SEXUALIDAD, PROBLEMAS CONTEMPORÁNEOS

En este curso analizaremos las reflexiones más interesantes que se han producido en torno a los temas del erotismo y la sexualidad contemporáneas, de la mano de teóricos prominentes como Michel Foucault, Gilles Deleuze, Jean Baudrillard, Beatriz Preciado, entre otros, profundizaremos en las discusiones que nos permitan comprender los fenómenos de la sexualidad actual. Revisaremos también a los artistas que han desarrollado propuestas en torno a estas temáticas, de la fotografía al performance, realizaremos una mirada amplia a la producción estética contemporánea sobre el erotismo y la sexualidad, sus intereses, sus problemas y la materialización visual de sus inquietudes. Esto permitirá al alumno conocer tanto las bases teóricas como la producción artística contemporánea sobre estos temas, de modo que al final del curso, el alumno tendrá las herramientas necesarias para proponer una visión propia sobre los mismos.

DIRIGIDO A:

Todo aquel interesado en conocer y analizar las imágenes eróticas producidas a partir de los años ochentas hasta nuestros días. Escritores, artistas visuales, amateurs.

* No se necesita ningún conocimiento previo.

OBJETIVO:

El alumno conocerá la producción de los principales artistas contemporáneos que han abordado los temas del erotismo y la sexualidad, reflexionará sobre la potencialidad de estos temas como elementos críticos de la sociedad, conocerá las principales discusiones teóricas contemporáneas en torno a estos temas y podrá desarrollar un análisis profundo, así como una producción propia, derivada de dichas reflexiones.

– El alumno conocerá a artistas visuales que han expandido el imaginario de lo erótico y que se adentran en la sexualidad como acto político.

– EL alumno problematizará sobre las esperanzas, retos y desafíos de abordar la temática erótica y sexual en nuestra actualidad.

– El alumno conocerá los debates contemporáneos que se realizan en torno a estos temas desde la filosofía, la sociología y la cultura visual.

– El alumno podrá generar una obra más reflexiva en torno a estos temas.

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Yunuen Díaz

DURACIÓN: Octubre 21 – Diciembre 16 de 2015

INSCRIPCIONES: Hasta 16 Octubre de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO:
$4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)

COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO:
USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)

**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

SESIÓN 1. LA TRASGRESIÓN ERÓTICA: GEORGES BATAILLE AYER Y HOY

En esta sesión daremos las bases para analizar el tema del erotismo y la sexualidad en el mundo contemporáneo. Sin duda, Georges Bataille ha sido el pensador que más ha influenciado a teóricos y artistas contemporáneos cuando hablamos de estos temas, por eso la primer sesión busca analizar a Georges Bataille así como su influencia en pensadores contemporáneos.

– Eros y tánathos en la fotografías eróticas. Nietzche, Freud, Bataille y la voluntad de copular.

– El erotismo, lo sagrado y la trasgresión. Georges Bataille ayer y hoy. Su influencia en teóricos contemporáneos.

– Deseo vs placer, la disrupción erótica. El arte y la sexualidad como temas del arte contemporáneo.

SESIÓN 2. EL DESNUDO, EL FETICHISMO Y EL EROTISMO DISRUPTIVO

A partir de los sesentas, el erotismo es visto como un lugar de trasgresión, nuevas prácticas se integran al mapa de la sexualidad. El fetichismo, el BDSM, el Leather, se convierten en estéticas de contrapoder. En esta sesión analizaremos dichas producciones.

– Eros y tánathos en la fotografías eróticas. Nietzche, Freud, Bataille y la voluntad de copular.

– Una segunda piel o la poética leather.

– El BDSM y las prácticas de contrapoder

– El fetiche y la sexualidad polimorfa

SESIÓN 3. DEL FEMINISMO ERÓTICO A LA POSPORNOGRAFÍA

En esta sesión revisaremos como algunos artistas han tratado de descodificar la genitalidad para darle una significación política. Desde el humor, la resistencia y hasta el terrorismo sexual, revisaremos propuestas diversas en torno a este tema.

– Entre lo sexual y lo político.

– La imaginación pornográfica

– El pornoterrorismo

SESIÓN 4. LO TRANS, LO QUEER , ENTRE ARTIFICIO Y DESNUDEZ

En esta sesión, trabajaremos con el tema de la transexualidad en la mirada de Baudrillard, así como a los artistas que se han sentido fascinados por la artificialidad y la performatividad de los géneros.

– La seducción de las apariencias o cómo salvar lo erótico con Baudrillard.

– La transexualidad y otros velos del erotismo.

– De la performatividad del genero.

SESIÓN 5. LA ERA FARMACOPORNOGRÁFICA Y LA ECONOMÍA DEL DESEO

– Líbido y economía

– Excitar y controlar

– Potentia Gaudendi

SESIÓN 6. LA POSTORGÍA  

¿Qué sucede cuando en nuestro mundo contemporáneo la sexualidad ha sido aparentemente develada y se nos bombardea en todo momento con imágenes de deseo y coito? Esta será la discusión de esta sesión.

– Después de la revolución sexual ¿Qué?

– La postorgía, concepto y precepto.

– La exhibición y el simulacro

SESIÓN 6 . LA POSPRIVACIDAD

En esta sesión analizaremos cómo ciertos artistas vuelven sobre una posible eroticidad como estrategia de humanización, al mismo tiempo en que otros radicalizan sus expresiones. Cuando todo se publica en Facebook, Twitter y demás redes sociales ¿Significa que hemos ingresado al mundo de la obscenidad? La reflexión, a la luz de los temas antes revisados nos permitirá abrir una discusión sobre la pertinencia o la caducidad de lo erótico en el mundo contemporáneo.

– La desaparición de lo privado

– Del voyerismo al exhibicionismo

– La sexualidad pública ¿es política?

SESIÓN 7. OTRAS CARTOGRAFÍAS

¿Una ética en lo erótico?

– Nuevas cartografías

– Re-erotizar lo social

SESION 8. REVISIÓN DE PROYECTO FINAL

A lo largo del curso, se irán revisando los temas y proponiendo actividades creativas. La idea es terminar con una producción propia, experimental, que permita poner en operación los conceptos aprendidos. En esta sesión se revisarán los resultados del curso.

METODOLOGÍA:

Los alumnos realizarán lecturas, revisarán a los artistas propuestos para el tema y realizarán un portafolio de imágenes sobre los temas revisados cada semana. Buena parte del curso se centra en la investigación guiada por la tutora y el debate con los compañeros del curso.

EVALUACIÓN:

Tareas 40%

Participación en los debates 20%

Proyecto final 20%

 LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO
Yunuen Díaz

México D.F. 10 de febrero de 1982. Es doctorante en “Arte, Imagen, Cultura y Sociedad” por la Universidad Autónoma del Estado de Morelos, donde también colabora como docente. Maestra en “Arte, decodificación y análisis visual” por el Instituto Cultural Helénico. Sus tesis doctoral y de maestría se han desarrollado en el tema del arte contemporáneo. Premio Nacional de Ensayo joven “José Vasconcelos” Tierra Adentro 2015, por el libro “Todo retrato es pornográfico”. Ganadora del premio “Delfina Careaga” en el área de ensayo creativo, con un análisis realizado a la obra del fotógrafo Omar Gámez. Recibió en 2013 el estímulo “Jóvenes creadores” FOCAEM en el área de Crítica de arte. En 2006 fue seleccionada por la Secretaría de Educación Pública para realizar una estancia en París como lectora extranjera de español. Ha colaborado en revistas de arte y literatura como la revista “Castálida” del IMC, “Revista médica de arte y cultura” y las revistas “Punto de Partida” y “Periódico de Poesía” de la UNAM, así como “Incendios” y “Registromx” entre otras, con aportaciones poéticas, reseñas y ensayos sobre obras de arte. Su libro “La Feria de la carne: itinerarios subversivos del cuerpo en el arte contemporáneo” ha sido editado en 2012 por el IMC y fue presentado en la FIL Guadalajara 2012, Minería 2013 y Alleycat bookstore , California, 2013. En octubre de 2010 fue invitada por el Instituto Nacional de Bellas Artes para presentarse dentro del ciclo “Nuevas voces de la literatura mexicana”. Fue parte del “Proyecto México Joven” para difusión de artistas y escritores mexicanos en Polonia. Participó en 2010 en la serie Arte-shock de TV UNAM, con la obra: Poesía en la Piel.

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LA CRÍTICA DE ARTE COMO EJERCICIO DE ESCRITURA CREATIVA

A partir de una aproximación formal, estructural y teórica, sobre la crítica de arte en nuestros días, se plantearán una serie de estrategias y herramientas útiles para construir textos que discutan la gran pluralidad de propuestas y tendencias contemporáneas, tomando en cuenta los rasgos particulares de cada disciplina y los intereses de cada uno de los participantes. De este modo, se analizarán detenidamente los rasgos más relevantes de la dimensión escritural de la Crítica de arte, con la intención de mostrar las múltiples perspectivas para interpretar obras de arte. Con el propósito de enriquecer el conocimiento y la experiencia de los participantes, se trabajará con una gran diversidad de materiales didácticos, que incluyen lecturas especializadas, imágenes y vídeos, poniendo especial atención a los proyectos e intereses de cada uno.

DIRIGIDO A:

Artistas, curadores, historiadores, críticos de arte, escritores, estudiantes de humanidades, pedagogía, ciencias de la comunicación, ciencias sociales, antropología y áreas afines.

OBJETIVO:

Este seminario en línea está dirigido a todos aquellos interesados en obtener herramientas teóricas y metodológicas para construir textos sobre crítica de arte, orientados hacia diversos lectores y medios de publicación. El objetivo principal es brindar a los participantes una gama variada de estrategias formales y argumentativas, que les permita asumir un rol activo y creativo en torno a la discusión de las manifestaciones artísticas y culturales contemporáneas.  Tomando como eje central una selección de textos representativos de la Crítica de arte, se darán a conocer las metodologías formales, conceptuales y estructurales empleadas en este tipo de ejercicio escritural, con la intención de que cada participante desarrolle su propio estilo.

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Edgar Vite Tiscareño

DURACIÓN: Octubre 21 – Diciembre 16 de 2015

INSCRIPCIONES: Hasta 16 Octubre de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO:
$4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)

COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO:
USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)

**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Semana 1: Los orígenes de la Teoría crítica

En esta semana se plantearán los antecedentes más relevantes de la Teoría crítica, además de plantear un marco teórico y práctico sobre el análisis crítico de las manifestaciones artísticas contemporáneas. De este modo, se examinará cómo la Teoría Crítica se desenvolvió como una herramienta para la interpretación de textos, por lo que en un principio estuvo asociada estrechamente a la Crítica literaria, para después articularse al resto de las artes, lo que es indispensable para comprender la dimensión escritural del ejercicio crítico. Para ello se revisarán detenidamente las nociones de lengua, estilo y escritura en El grado cero de la escritura de Roland Barthes y su aplicación a la crítica de arte.

Semana 2: El desarrollo histórico de la Crítica de arte

En este momento se discutirá cómo se ha desarrollado históricamente la Crítica de arte hasta nuestros días y se analizarán detenidamente algunas de las posiciones más relevantes en este campo, con la finalidad de brindar un amplio panorama a los participantes, que sirva de soporte para la elaboración de textos críticos, de acuerdo a sus intereses y proyectos individuales. Además se tomará en cuenta la transición de las vanguardias artísticas al arte postmoderno, destacando la posición de críticos como Clement Greenberg, Harold Rosemberg y Leo Steinberg.

Semana 3: Estructura y construcción de textos críticos

En este período se pondrá especial atención a la estructura y dimensión formal de los escritos sobre crítica de arte, destacando el tipo de argumentación que puede emplearse para defender una posición y el modo en que se hila el contenido del texto. También se discutirá cuáles son los rasgos que hay que tomar en cuenta al momento de llevar a cabo la interpretación de una obra determinada y qué criterios pueden resultar útiles al momento de hacerlo. Con esta finalidad se revisarán textos de críticos como Cuauhtémoc Medina y Avelina Lésper, para contrastar la estructura y el tipo de argumentación que emplea cada uno en sus escritos.

Semana 4: Los géneros literarios en la crítica de arte

Aquí se analizará cómo la crítica de arte puede vincularse con los géneros literarios, desde una dimensión creativa, que permita la experimentación y la fusión de elementos. En esta línea, se examinarán algunos ejemplos concretos sobre esta aplicación de los géneros literarios, para que después cada uno de los participantes lleve a cabo un texto crítico, tomando en cuenta las posibilidades que admite este juego escritural. Para ello, se tomará en cuenta el modo en que pueden emplearse los géneros literarios, así como otros recursos discursivos en la crítica de arte, a partir de una selección de textos de Guillaume Désanges.

Semana 5: Investigación y fuentes de información

En esta semana se reflexionará sobre el papel de la investigación previa a la escritura de un texto crítico, así como la relevancia de acudir a múltiples fuentes de información para prepararlo. También se discutirá hasta qué punto es relevante acudir a cierta información sobre la vida y obra de un autor para interpretar una obra determinada, así como los límites de esta estrategia escritural. Se trabajará en un texto, donde se incluya esta información y otro donde no se realice dicha investigación, con el propósito de analizar los contrastes, así como las ventajas y desventajas de ambas estrategias.

Semana 6: Los aspectos formales de las artes plásticas

A través de una serie de obras concretas, pertenecientes a las artes plásticas contemporáneas, se pondrá de relevancia la necesidad de llevar a cabo un análisis formal en la crítica de arte, así como los aspectos teóricos y metodológicos que este tipo de aproximación implica. Para ello se revisará la propuesta teórica y crítica de Rosalind Krauss, para que después cada participante redacte un texto propio, donde aplique este tipo de análisis a una obra de su elección.

Semana 7: El análisis teórico aplicado a la imagen visual

Durante este período se revisará el modo en que la Teoría de la imagen proporciona una serie de herramientas sumamente útiles para analizar la dimensión cultural, simbólica y plurisignificativa de las manifestaciones artísticas, poniendo especial atención en el modo en que puede aplicarse este tipo de análisis a la fotografía y al cine. Con este propósito se revisarán algunos escritos de Susan Sontang, que servirán de base a los participantes para examinar una obra perteneciente al campo visual.

Semana 8: La dimensión performativa de las artes escénicas

Durante la última semana se discutirá la dimensión performativa de las artes escénicas, tomando en cuenta la relevancia de la expresión corporal y la gestualidad en este tipo de propuestas. Además se resaltará la necesidad de tomar en cuenta la influencia y estrecha conexión entre las artes plásticas, visuales y escénicas, por lo que se analizará la colaboración de Merce Cunningham con artistas como Jasper Johns, Robert Rauschenberg y Andy Warhol. Los participantes elaborarán un texto crítico que tome en cuenta estos elementos con la finalidad de aplicarlos al análisis de una coreografía y escenografía pertenecientes a la danza contemporánea.

METODOLOGÍA Y EVALUACIÓN:

Los estudiantes prepararán una serie de lecturas que serán la base de la discusión y participación en los foros, donde será central la interacción con el tutor y sus compañeros. Se llevarán a cabo una serie de textos críticos con el propósito de desarrollar las habilidades escriturales de cada uno de los participantes. Al finalizar, se entregará un ensayo, en el que cada alumno llevará a cabo un ejercicio crítico, a partir de la selección de una obra o artista contemporáneo.

Podrán recibir constancia de participación quienes hayan entregado el 80% de las actividades, de acuerdo a los siguientes porcentajes: participación en los foros (30%), análisis críticos (30%), y realización de un ensayo final (40%).

 LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

EDGAR VITE TISCAREÑO

Profesor e Investigador del Departamento de Artes Visuales y Estética de la Facultad de Artes Integradas en la Universidad del Valle, Colombia. Licenciado en Filosofía por la Universidad Panamericana y Licenciado en Lengua y Literaturas Hispánicas por la Universidad Nacional Autónoma de México. Maestro y Doctor en Filosofía por la Universidad Nacional Autónoma de México, con énfasis en las áreas de Filosofía de la Cultura, Historia del Arte, Estética, Teoría Crítica y de la Interpretación, Artes Visuales, Danza Contemporánea y Estudios Literarios. Ha participado en distintos programas de Pregrado y Posgrado, tanto a nivel presencial, como en línea, dictando cursos y seminarios sobre Arte, Literatura y Filosofía.

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PRÁCTICAS CARTOGRÁFICAS EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO: APROXIMACIONES A UNA CRÍTICA DE LA REPRESENTACIÓN

Frente a la imposición de los modos de representación del espacio derivados del sistema euclidiano, desde la segunda mitad del siglo XX, han ido apareciendo formas de arte críticas involucradas en procesos de reinterpretación del territorio y el espacio a través de la práctica cartográfica. Esta tendencia se ha ido incrementando con el asentamiento del capitalismo deslocalizado y la llegada de la Época Global, lo que ha dado lugar a la aparición de un nuevo paradigma cartográfico basado en la integración de la diferencia, la deslocalización y la multiplicación de centros.

Se precisa por tanto identificar las lógicas, que según los diversos imperativos históricos, económicos y políticos, subyacen en el dispositivo cartográfico hegemónico, para poder construir una suerte de genealogías con las que definir las diferentes estrategias que propone el arte contemporáneo para subvertir dicho dispositivo. Esta vocación de subversión y profanación, converge a su vez en una Crítica de la Representación: un ámbito transversal de conocimiento que inscribe, de un modo complejo, diferentes perspectivas de análisis en torno a las políticas de representación hegemónicas. Dado la trayectoria más o menos dilatada de esta Crítica de la Representación, podemos identificar diferentes generaciones que han desarrollado sus correspondientes estrategias.

Dada la proliferación de prácticas artísticas, estudios, talleres y proyectos expositivos, desde la esfera artística y la cultura contemporánea, en torno a la práctica cartográfica crítica, se presenta pertinente generar un espacio que permita desarrollar herramientas para poder entender esta producción artística y poder ubicarla epistemológica, política y estéticamente.

DIRIGIDO A:

Artistas visuales, historiadores del arte, arquitectos, geógrafos, antropólogos, urbanistas y otros investigadores en Humanidades y Ciencias Sociales

OBJETIVO:

Los objetivos educativos que del curso Prácticas Cartográficas en el Arte Contemporáneo: Aproximaciones a una Crítica de la Representación, persiguen generar herramientas que permitan analizar la práctica cartográfica desarrollada por artistas contemporáneos, pudiendo ubicar dicha práctica epistemológica, política y estéticamente, así como reconocer los casos en los que se propone un contramodelo de la cartografía hegemónica.

Asimismo, la propuesta de análisis dentro de un marco teórico en relación a una Crítica de la Representación, permitirá abordar el ámbito de conocimientos denominado como “Teoría Estética Contemporánea”, en el cual confluyen tanto la Filosofía, como los Estudios Visuales, la Historia del Arte y otras Ciencias Sociales; así como adquirir una perspectiva crítica posdisciplinar con respecto al dispositivo cartográfico en su contexto global y neocapitalista.

En último término, este curso tiene como objetivo garantizar un conocimiento base en la Historia  de la Cartografía, así como en la Teoría e Historia del Arte; además de favorecer la amplitud de posibilidades para pensar y practicar la cartografía.  

Al final del curso el alumno será capaz de:
 – Manejar un conocimiento base en la Teoría y Estética del Arte Contemporáneo
– Manejar un conocimiento base en la Historia de la Cartografía
– Manejar las diversas genealogías de la práctica cartográfica en el arte contemporáneo
– Abordar la Teoría Decolonial desde la práctica artística cartográfica
– Ampliar el abanico de posibilidades cartográficas

FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES

IMPARTE: Diana Padrón Alonso 

DURACIÓN: Septiembre 23 – Noviembre 17 de 2015

INSCRIPCIONES: Hasta 16 de Septiembre de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO:
$4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)

COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO:
USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)

**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.

LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: Aproximaciones a una Crítica de la Representación.  Introducción al curso. Una genealogía de la Crítica de la Representación. Arte, Cartografía y Crítica de la Representación. 

Sesión 2: El Dispositivo Cartográfico.  ¿Qué es un dispositivo? ¿Qué es un dispositivo cartográfico? ¿De qué hablamos cuando hablamos de profanar el dispositivo cartográfico?

Sesión 3: Del Rigor en la Ciencia.  Breve historia de la cartografía colonial. Crisis de la razón cartográfica.

Sesión 4: Del Rigor en la Ciencia. Profanar la cartografía colonial o una Crítica de la Representación de primera generación

Sesión 5: Del Mapa al laberinto. Rizomas, redes y enjambres en el marco de una nueva economía global.

Sesión 6: Del Mapa al laberinto.  Pensar en laberinto o una Crítica de la Representación de segunda generación.

Sesión 7: Ce n’est pas le monde.  El mundo es plano: el empobrecimiento de la experiencia en el mundo globalizado.

Sesión 8: Ce n’est pas le monde. Comportamientos cartográficos en el arte contemporáneo como instrumento para una Crítica de la Representación de tercera generación.

METODOLOGÍA:

Este diseño metodológico se articulará durante 8 semanas, desarrollando cada tema en una o dos semanas según necesidades de exposición (ver temario detallado). Durante cada semana, el alumno contará con diversos materiales didácticos en soporte virtual, que serán facilitados por la tutora. Estos materiales consistirán en presentaciones en Prezi, donde se incluirán imágenes de casos de estudio (20 casos por cada presentación), con su correspondientes links para posibilitar el acceso a más información por parte del alumno; documentos de textos correspondientes a las lecturas obligatorias; videos (acceso a través de link); y una bibliografía recomendada de acceso online. Asimismo, se considerará que los alumnos manejen los recursos ofrecidos por plataformas virtuales de cartografía online como Google Maps, Open Street Maps y Meipi.org. Las lecturas que se han propuesto para el curso se corresponde en su mayoría con artículos seleccionados, junto a estas se acompañará una bibliografía recomendada para que el alumno pueda ampliar los contenidos. Además de ello, los alumnos podrán contar con el asesoramiento de la tutora mediante un los foros habilitados en la plataforma del curso y un grupo de diálogo en redes sociales.

El curso ha sido programado desde un enfoque teórico-práctico para posibilitar un aprendizaje creativo y atractivo para el alumno, permitiendo asimismo que pueda abordarse desde diferentes ámbitos disciplinares. De este modo cada semana el alumno deberá entregar una o varias tareas (teóricas y prácticas, según el tema) y participar en una discusión semanal en el fórum (donde presentarán brevemente el ejercicio semanal), que además de contar para la evaluación continua, permitirán ensayar el trabajo final propuesto. Este trabajo final podrá escogerse (sólo en este caso) entre un trabajo teórico o uno práctico. El alumno que escoja realizar el trabajo final en formato teórico deberá desarrollar en 15000 caracteres un análisis desde alguno de los paradigmas cartográficos expuestos durante el curso donde se incluyan 4 casos de estudio (se recomendará escoger el tema desde las primeras semanas para que los ejercicios realizados durante el curso puedan contribuir al desarrollo de dicho trabajo). Por otro lado, los alumnos interesados en presentar un trabajo final práctico se les solicitará una propuesta de acción-intervención cartográfica localizada geográficamente, que puede documentarse en formato libre (fotografía, video, dibujo, registro sonoro), pero al que deberá acompañar de un documento de 5000 caracteres donde deberá incluir: objetivos de la propuesta, fundamentos teóricos y memoria de la acción-intervención.

EVALUACIÓN:

La evaluación que se aplicará durante el curso será cualitativa, valorando la participación semanal en los foros, 7 ejercicios teóricos, 3 ejercicios prácticos y 1 trabajo final (a escoger entre teórico o práctico). Las actividades correspondientes al 80% consistirán en entregar 5 ejercicios teóricos, 2 prácticos y el trabajo final. Las discusiones en los foros y las tutorías online contribuirán a precisar dicha evaluación.

 LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Diana Padrón Alonso 

(Las Palmas de Gran Canaria, 1984) está Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de La Laguna. En 2010/2011 realizó el Máster en Estudis Avançats en Historia del Arte en la Universitat de Barcelona, realizando un trabajo de investigación titulado Prácticas cartográficas antagonistas en la Época Global, que fue presentado en el seminario internacional QUAM 2011 Wikpolis, Cartografías y construcciones colectivas del espacio social, organizado por la Universidad de Vic y  ACVIC Centre d’Arts Contemporànies. Ha impartido conferencias y sesiones docentes para La Universitat de Barcelona, Escola EINA, Arts Santa Mónica, y Universität für Musik und Darstellende Kunst de Viena. Colabora en revistas de arte y pensamiento contemporáneo como SalonKritk, Interartive, A*Desk y REG|AC (Revista científica de Estudios Globales y Arte Contemporáneo). Trabaja como curadora independiente, dirigiendo diversos proyectos curatoriales como el ciclo de exposiciones y publicaciones Perder el Norte. Ha participado en seminarios de pensamiento contemporáneo organizados por diferentes centros e instituciones internacionales, contando con la dirección de Jacques Rancière, Giorgio Agamben, Walter Mignolo, Néstor García Canclini y George Didi-Huberman, entre otros. Ha recibido formación en el ámbito curatorial por parte de curadores internacionales como Cuauhtemoc Medina, José Roca, Maria Hlavajova, Maria Inés Rodriguez, Beatrice von Bismark, y Carles Guerra, entre otros. Ha participado también en talleres dirigidos por artistas y colectivos como Domenec, Iconoclacistas, Todo x La Práxis, Straddle3, Raumlabor, Santiago Cirugeda, Nicolas Malevé, Maria Ptqk, Imogen Stidworthy, Regina de Miguel, Nina Fischer & Maroan el Sani, Société Réaliste, Elena Reygadas, Benjamin Mayer y Abraham Cruzvillegas.  Desde 2011 colabora en la coordinación del grupo de investigación Art Globalization Interculturality (AGI/ART: 2014SGR 1050) y el proyecto Cartografía Crítica del Arte y la Visualidad en la Era Global: Nuevas metodologías, conceptos y enfoques analíticos(Proyecto I+D MICINN: HAR2010-17403 /MINECO: HAR2013-43122-P), dirigidos por Anna María Guasch en la Univesitat de Barcelona. Desde 2011 desarrolla su tesis doctoral sobre la práctica cartográfica en el arte contemporáneo, bajo la dirección de Martí Peran. Entre 2013 y 2014 fue investigadora residente en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA) desarrollando una investigación sobre la Colección MACBA, con la colaboración del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM). Ha colaborado en diferentes proyectos colectivos con la productora cultural Idensitat, como Dispositivos Post. Prácticas artísticas y redes de acción ciudadana en contextos post-crisis (2014), Translocaciones. Experiencias temporales, prácticas artísticas y contextos locales(2014-2015) y Espacios Zombi (2015). Actualmente es co-editora de la revista  REG|AC (Revista científica de Estudios Globales y Arte Contemporáneo); coordinadora de la plataforma On Mediation. Platform on Research and Curatorship y tutora en el Taller Multinacional AV.Llena el formato de inscripción para recibir la información sobre la forma de pago:

IMPORTANTE: Escribe al correo aulavirtual@tallermultinacional.org para verificar tu inscripción.

TEXTOS Y MUSEOS. COMUNICACIÓN Y APRENDIZAJE

El desarrollo del enfoque educativo en los museos ha redefinido su función como centros, que no solamente estudian, resguardan y exhiben, sino donde suceden procesos de relación, colaboración e integración. Esta reorganización responde a un modelo interdisciplinario de diálogo tanto al interior del museo como con su público. Así, el planteamiento museográfico involucra desde el aspecto arquitectónico, técnico y expositivo hasta el comunicativo y educativo: Una exposición no se proyecta sólo como un conjunto de vitrinas que exponen objetos y modelos, sino como el espacio que permite descubrir contextos y significados que van más allá de la propia materialidad de lo expuesto. Este seminario aborda el texto como una de las herramientas básicas que intervienen en el recorrido de una exposición, entendiéndose este acto como comunicativo y educativo, es decir, como constructor de sentidos. El sistema cedulario, los recursos museográficos de apoyo y los materiales educativos de los museos tienen, entre otros propósitos, facilitar y mediar los procesos de comprensión, interpretación y contextualización en relación a los hechos y objetos.

DIRIGIDO A: 

Museógrafos, comunicólogos, educadores, gestores culturales, profesionales de los museos de arte y estudiantes interesados en los aspectos de comunicación y educación de las propuestas expositivas.

OBJETIVOS:

El propósito principal de este curso es que el estudiante realice investigación educativa en recursos museográficos pedagógicos escritos, bajo lineamientos específicos de accesibilidad, comunicación, aprendizaje y relación; a la par de desarrollar los contenidos y recursos de un programa aplicable a sus intereses o en su área profesional.

– ¿Cómo desarrollar contenidos educativos de las propuestas expositivas sin sustituir ni competir con lo expuesto, y mucho menos, subestimando al público?

– ¿Cómo promover el aprendizaje a través de los objetos usando el lenguaje?

– ¿Cómo ofrecer posibilidades de lectura que apoyen la experiencia significativa del visitante?

| FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES |

IMPARTE: Nayeli Zepeda
DURACIÓN: Septiembre 23 – Noviembre 17 de 2015
INSCRIPCIONES: Hasta el 16 Septiembre de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ
INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO: $4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)
COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO: USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)
**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

HORARIO: Éste curso es asincrónico, por lo que cada alumno elije los días y horarios que más le conviene para participar, hacer sus lecturas y realizar las tareas.
LUGAR: Curso completamente online impartido en el Aula Virtual de Taller Multinacional, por lo que se puede tomar desde cualquier parte del mundo con conexión a internet.

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: Reflexiones iniciales y marco general del curso

– Introducción al curso
– Tendencias museológicas en práctica
– Texto como recurso y el museo como texto

Sesión 2: Qué, cómo, desde y para quiénes

– Proceso de escritura
– De los mecanismos de lectura a la construcción de significado
– Visitantes/lectores

Sesión 3: Marco de comunicación

– Dimensión representacional
– Dimensión organizacional
– Dimensión interaccional

Sesión 4: Marco de interpretación y mediación

– Narración como estrategia de comunicación y mediación
– Método Feldman de Crítica de Arte
– Preguntas como estrategia de mediación
– Interpretación como experiencia

Sesión 5: Textos de museos I. Del guión científico y curatorial a las cédulas

– Sistema cedulario. Tipología y funciones de textos en museos
– Características generales de contenido y diseño
– Legibilidad y accesibilidad

Sesión 6: Textos de museos II. Herramientas para el diálogo, la vinculación y el aprendizaje

– Recursos museográficos de apoyo
– Recursos educativos impresos
– Recursos de evaluación de experiencias

Sesión 7: Lineamientos y guías de evaluación

– Tabla de evaluación scripto-visual
– Las 6 reglas de George Orwell
– Otros: Teoría de los Faros, Método Fry, Método Ekarv, etc.

Sesión 8: Laboratorio de proyectos

– Presentación y revisión de proyectos finales
– Cierre del curso

METODOLOGÍA:

Durante 8 semanas, en este seminario de carácter teórico-práctico, se trabajaran distintas formas de usar el texto escrito  como la herramienta básica de la comunicación en los museos, transfiriendo su sentido al desarrollo de contenidos de un programa educativo e interactivo.

La metodología del curso parte de un marco teórico que permitirá iniciar diálogos,  críticas, trabajo individual y colaborativo, para retomar las herramientas útiles y adecuadas al objeto de interés personal/profesional. Se utilizarán los siguientes recursos:

  1. Lecturas: Bibliografía para informar al participante y ubicarlo dentro del contexto temático.
  2. Material de apoyo: Recurso de información que concentra el contenido de las temáticas, diseñado específicamente para el curso.
  3. Foros: Espacio para el análisis, crítica y reflexión compartida entre el tutor y los alumnos.
  4. Tablero o board colaborativo: Recopilación en línea de imágenes y videos de ejemplos de nuestra herramienta museográfica (diversos tipos de cédulas, hojas de sala, citas en muros).
  5. Entregables: Incluyen ejercicios prácticos de análisis de casos existentes y otros desarrollados por los propios estudiantes.
  6. Proyecto final:  Trabajo que comprende la información, herramientas, aplicaciones y reflexiones realizadas a lo largo del  curso. Desde la primera semana se iniciará con este proyecto.
  7. Asesorías por medio del Aula Virtual, Skype o G+ Hangout.

EVALUACIÓN:

La calificación corresponderá a 60% de las actividades semanales (participación en foros y  entregables), y 40% el trabajo final (desarrollado a lo largo del curso).

Es requisito indispensable para aprobar el curso cumplir con el 80% de las actividades de cada módulo.

 LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Nayeli Zepeda

Historiadora del arte por la Universidad Iberoamericana (México) y maestra en museografía interactiva por la Universitat de Barcelona (España). Coordinó el área de investigación y recursos didácticos del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) por 4 años, donde estableció la metodología de investigación educativa del museo, además de llevar a cabo curaduría pedagógica, desarrollo de contenido y producción de materiales para maestros, estudiantes y visitantes en general. Ha impartido clases en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey (ITESM) y en el Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey (CEDIM), e igualmente es tutora del curso “Introducción a la Curaduría y Museografía Educativa” del Aula Virtual Taller Multinacional. Ha publicado en Discurso Visual del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas (CENIDIAP), Transferencia del ITESM, y en otros medios independientes de divulgación. Desde 2011 trabaja de manera independiente en el ámbito museístico y cultural, colaborando con instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Museo de Arte de Sonora, CONARTE, CONACULTA, Courseworld, Art21, Bellevue Arts Museum. Es co-fundadora de NodoCultura (arte y patrimonio cultural como procesos de aprendizaje, colaboración y relación con el entorno), iniciativa colaborativa que desarrolla  investigación y dinamización de proyectos y espacios museísticos, culturales y educativos.

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CÓMO ABORDAR LA ESCRITURA DE UN PROYECTO DE ARTE DESDE EL PROCESO CREATIVO

Este curso revisa de manera crítica lo que es “ser-artista” y el origen de la obra de arte en nuestra época contemporánea; en una época donde la creación se ve atravesada por una institucionalización: solicitud de becas, patrocinios, textos curatoriales; el acto de crear una obra se ve estrechamente relacionada a la escritura de un proyecto. La intención de este curso es de-construir el proyecto para adentrarnos a la experiencia originaria del acto de creación. El proceso de desconstrucción del proyecto consistirá en que el participante a través de realizar una bitácora buscará reconstruir o dar cuenta de una nueva imagen del proyecto. De dicha manera la estructura de la clase esta planteada en dos partes, la primera consiste en la discusión de lecturas y la segunda parte está dedicada a la experimentación plástica y realización de la bitácora. Al finalizar el taller se espera que el participante tenga una bitácora del proceso como el proyecto re-escrito.

DIRIGIDO A: 

Dirigido a estudiantes y artistas de artes visuales que tengan proyectos en proceso o que no hayan sido aceptados en alguna convocatoria.

OBJETIVO:

Al final del curso el alumno será capaz de:

– Re-estructurar proyectos artísticos en procesos, inconclusos o que no fueron aceptados en convocatorias.

– Poder abordar la escritura del proyecto a partir de la construcción de imágenes poéticas.

– A partir de crear un equilibrio entre la práctica y la teoría se busca de-construir el proyecto para develar tanto la estructura gramatical y narrativa como también las experiencias significativas que dieron origen al acto creativo.

– Realizar una bitácora donde se registren a través de imágenes y escritos las experiencias originarias del proyecto.

– El alumno será capaz de generar un pensamiento autocrítico hacia su proceso creativo en el momento de redactar un proyecto.

 FORMATO DE INSCRIPCIÓN | PREGUNTAS FRECUENTES | INGRESO AULAVIRTUAL

IMPARTE: Martín Kanek Gutiérrez Vásquez
DURACIÓN: Agosto 12 – Octubre 6 de 2015
INSCRIPCIONES: Hasta el 5 Agosto de 2015

Solicitudes de becas y descuentos llenando el Formato de Inscripción AQUÍ

INFORMES: info@tallermultinacional.org

COSTOS RESIDENTES EN MÉXICO: $4,228.00 (un sólo pago /neto) o $2,300.00 (dos pagos /neto)
COSTO RESIDENTES EN EL EXTRANJERO: USD $ 307 (un sólo pago) o USD $ 164 (dos pagos)
**10% de descuento a estudiantes y maestros en la modalidad de un sólo pago.
**Becas del 25% en la modalidad de un sólo pago.

TEMARIO DETALLADO:

Sesión 1: La modernidad y la imagen del mundo actual.
Poder identificar el problema del proyecto presentado a partir de empezar a resaltar lo importante de este.
Aproximase a los conceptos fundamentales de la modernidad y como están relacionados con la necesidad de redactar proyectos en nuestra época.

Sesión 2:  El ritmo y el caos
Poder desmembrar el proyecto en palabras, sensaciones, garabatos con el objetivo de concebir el inicio del la escritura del proyecto como una secuencia de ritmos caóticos.
Analizar los conceptos de ritmo y caos propuestos por Octavio Paz y Gilles Deleuze.

Sesión 3: El caos y las imágenes
Crear un archivo de imágenes que consiste en concebir la escritura del proyecto como una secuencia de imágenes, que empezarán a dialogar entre ellas.
Aproximase a diferentes definiciones filosóficas sobre la imagen propuestos por Octavio Paz, Gilles Deleuze y W.J.T Mitchel.

Sesión 4: Logos y la construcción del sentido
Redactar un párrafo a partir del archivo de imágenes realizados en la sesión anterior.
El participante tiene como objetivo dar cuenta en un párrafo escrito lo que su archivo de imágenes dice.

Sesión 5: La mancha y el acontecimiento
Realizar bocetos o primeros gestos plásticos que ilustren el párrafo escrito en la sesión anterior.
Aproximase a los conceptos psicoanalíticos: “mancha” y “acontecimiento”.

Sesión 6: La sospecha y la obra de arte.
Continuar con la realización de bocetos o primeros gestos plásticos que ilustren el párrafo escrito en la sesión anterior.
Revisar la función que tiene la obra de arte en relación con el espectador, teniendo en cuenta el concepto de “sospecha” del teórico Boris Groys.

Sesión 7: La repetición y diferencia
Redactar el texto del proyecto a partir de los experimentos plásticos y de escritura realizados con anterioridad.
Analizar los conceptos de repetición, diferencia y nuevo, propuestos por Gilles Deleuze y Boris Goys.

Sesión 8: Conclusiones
Revisar las bitácoras y los proyectos con el fin de visualizar las transformaciones que se dieron en el curso.

METODOLOGÍA:

– Realizar ejercicios de experimentación plástica y de redacción que en su conjunto conformen una bitácora que de cuenta de las experiencias originarias del proyecto. Las bitácoras se plantean como soportes virtuales: infografías, video-blog, presentaciones o de carácter físico como: dibujos, collage, pintura.

– A la par se revisarán y discutirán lecturas de tipo filosófico y teórico que reflexionan sobre los procesos sensitivos e intelectuales que atraviesan al artista en su creación. Se leerán autores como: Octavio Paz, Gilles Deleuze, Martin Heidegger, Jacques Lacan y Boris Groys.

– También se presentará semanalmente películas que buscan dialogar con las lecturas, con el objetivo de poder encontrar una versatilidad en la compresión del tema tratado.

– Se darán asesorías por medio de Skype o Hangout para dar seguimiento a los proyectos de cada participante. En dichas asesorías se dialogará sobre el proceso de creación del participante tratando de vincularlo con las lecturas y películas revisadas en clase.

– Se crearán un foro de discusión para comentar, discutir y analizar las lecturas y películas revisadas en cada tema.

– Habrá un foro donde se pueda compartir con los demás integrantes del curso los avances de la bitácora y del proyecto, el objetivo es crear un espacio de dialogo y retroalimentación entre los participantes.

LA BIBLIOGRAFÍA SERA PROPORCIONADA AL INICIO DEL CURSO

Martín Kanek Gutiérrez Vásquez

Nace en la Ciudad de México el 14 de diciembre de 1987. En agosto del 2014 finalizó sus estudios de posgrado en la Maestría en Artes Plásticas y Visuales en la Universidad Nacional de Colombia. Es titulado en Artes Visuales por la Escuela Superior de Artes de Yucatán (ESAY) -2005-2010-. Fue becario del Programa de Becas para Estudios en el Extranjero FONCA-CONACYT, emisión 2012 y 2013 para realizar sus estudios de posgrado. Actualmente es profesor de asignatura del Taller de Artes Visuales I en la Universidad Autónoma de la Ciudad de México. También se ha desempeñado como docente externo en la Escuela Superior de Artes de Yucatán, entre sus talleres se encuentra: La sombra del proyecto (2015, Mérida, Yuc. México), El acto creativo: poética y técnica (2013, Mérida, Yuc. México). Ha realizado cuatro exposiciones individuales, entre las que destacan: III: Caminos y recorridos en la galería Frontground / Manolo Rivero Manolo Rivero (2011, Mérida, Yuc.), Braata en Laboratorio Dzitya ( 2006, Mérida, Yuc). Entre las exposiciones colectivas destacan; Rellena 3 (2014, Bogotá, Colombia), La Noche en Blanco (2014, Bogotá, Colombia), Arte Joven en Yucatán, en la Galería del Yucatán Country Club (2012, Mérida, Yuc. México), Atelier Romo –Estrategias- en la galería Frontground / Manolo Rivero (2012, Mérida, Yuc. México), Paisajes Reversos en la galería Frontground / Manolo Rivero Manolo Rivero (2011, Mérida, Yuc. México) Cutting Edge: Al limite en el Centro de Artes Visuales (2011, Mérida Yuc. México), Migraciones en La Chambre Blanche (2009, Quebec. Canadá), XIII Muestra Internacional de Videoperformance “Accidentes Controlados”, Ex Teresa Arte Actual (2008, Cd. de México); I Premio de Arte Joven de Artes Visuales Yucatán –selección- (2008, Mérida, Yuc. México). También fue seleccionado para participar en el Atelier Romo en Front Ground (2012, Mérida, Yuc. México), La Chambre Blanche (2009, Quebec. Canadá) como residente durante un mes y medio. Asistió a la clínica sobre arte contemporáneo impartido por Raimundas Malasauskas en la Colección Jumex (2009, Ciudad de México).

Llena el formato de inscripción para recibir la información sobre la forma de pago:IMPORTANTE: Escribe al correo aulavirtual@tallermultinacional.org para verificar tu inscripción.